Upcoming Exhibition

Jaeyeon Kim: Hogi
김재연 개인전 《호기》
2026.5.12–5.24

(2026년 4월 29일) 크리스프 웨지는 오는 2026년 5월 12일부터 5월 24일까지 김재연의 개인전 《호기》를 개최한다. 이번 전시에서 작가는 빛과 매체, 그리고 시간의 층위가 겹치며 파생되는 이미지를 분절하여 펼쳐낸다. 작가에게 있어 사진의 표면은 시각적으로 완결된 결과물이 아닌, 불확실한 촬영 조건과 스캔, 시아노타입 등 덧입혀진 기법들이 서로 관계 맺으며 가까스로 형성된 잠재적 기록의 상태다. 작가는 이번 전시를 통해 예상치 못한 우연과 실패마저 작업의 실마리로 수용하며, 감각의 조각들을 엮어 이미지를 ‘만들어가는’ 태도를 제안한다.

전시 제목인 《호기》는 내쉬는 숨결이자 생명력이 밖으로 드러나는 기세(氣勢)를 의미한다. 작가는 아이를 돌보는 일상의 리듬과 아버지의 죽음이라는 변곡점을 통과하며, 삶과 죽음이 교차하는 유한한 시간 속 ‘여린 숨’에 주목한다. 전시는 변화가 끝난 뒤의 결과보다, 변화와 상실을 겪어내는 팽팽한 일상의 시간, 즉 아직 형성 중인 삶의 상태를 담담히 비춘다. 반사된 빛, 떨어진 열매, 스친 그림자 등 정돈된 일상 아래 흩어져 있는 미세한 감각의 조각들은 작가에 의해 하나의 연속적인 감각의 궤적으로 재구성된다.

전시 공간을 채우는 것은 단일하게 고립된 장면이 아닌, 연약하게 흩어지고 겹쳐진 이미지들의 연쇄다. 관람객의 이동 동선을 따라 배열된 사진들은 각자의 서사 안에 머무르지 않고, 전시장의 벽을 따라 서로를 빗대고 지탱하며 유기적인 리듬을 만들어낸다. 이러한 흐름 속에서 개별 이미지들은 단순한 평면을 넘어 하루의 시간과 생명의 순환을 은유하는 능동적인 매개체로 자리하며, 단조로운 화이트큐브 공간 전체를 하나의 커다란 호흡의 장으로 치환한다.

필름 카메라와 중첩된 이미지들은 이러한 사유의 궤적을 기록한 ‘감각의 도면’이다. 작동이 불확실한 기기에서 발생한 빛의 오차, 형태를 알아보기 힘든 표면 위에 얹어진 먼지와 식물 조각의 흔적들은 사물과 주변 환경이 맺고 있는 물리적, 시간적 상태를 정밀하게 포착한다. 의도적으로 실패를 껴안은 이 겹겹의 이미지들은 물질의 행위와 흐름에 기꺼이 동참하는 작가의 신체적 증거이자, 시간이 물질의 표면으로 전이된 결과물이다.

이번 전시는 완결된 형태의 삶이나 이미지를 선언하기보다, 그것이 유지되기 위해 끊임없이 흔들리고 있는 위태롭고도 유연한 균형의 상태를 드러내는 데 집중한다. 관람객은 정지된 듯 견고해 보이는 사진의 표면을 마주하지만, 그 실체는 무수한 시간과 부재의 흔적이 교차하며 만들어낸 찰나의 단면임을 깨닫게 된다. 김재연의 작업은 우리가 이미 명료하다고 믿어온 일상의 장면들을 다시 바라보게 만드는 균열로 작동하며, 결론에 도달하기보다 기꺼이 삶의 흐름에 휩쓸리며 나아가는 과정 그 자체를 사유하게 하는 열린 공간을 제공할 것이다. 

김재연은 사진을 기반으로 작업하며, 이미지를 하나의 말하기 방식으로 삼는다. 보이지 않는 감각과 존재를 생명의 형상과 이미지의 겹침을 통해 드러낸다. 노출 과잉, 초점 이탈, 빛의 잔상처럼 비껴난 이미지에서 작업을 시작해, 그 위에 식물 레이어를 중첩하며 이미지를 만들어간다. 최근에는 일상의 흐름 속에서 마주하는 감각과 시간의 층위를 작업으로 이어가고 있다.

개인전 ⟪혼혼한 공기⟫(유영공간, 서울, 2023), ⟪가루산⟫(온수공간, 서울, 2020)을 개최했으며 다수의 단체전에 참여했다.

Crisp Wedge is pleased to present 《Hogi》, a solo exhibition by Kim Jae-yeon, from May 12 to May 24, 2026. In this exhibition, the artist unfolds a fragmented topography of images derived from the overlapping layers of light, medium, and time. For Kim, the surface of a photograph is not a visually finalized outcome but a state of "potential record"—a precarious formation emerged through the interplay of uncertain shooting conditions and additive techniques such as scanning and cyanotype. Through this body of work, Kim proposes an artistic stance of "making" images, interweaving shards of sensation while embracing unexpected chance and failure as vital catalysts.

The exhibition title, 《Hogi》 (호기), refers simultaneously to the act of exhalation and the outward manifestation of vital energy (氣勢). Passing through the inflection points of life—the daily rhythms of childcare and the profound loss of her father—the artist focuses on the "fragile breath" within the finite temporality where life and death intersect. Rather than presenting the stasis of a post-transformative result, the exhibition quietly illuminates the taut, everyday duration of navigating change and loss; a state of life still in the process of formation. Minute fragments of sensation scattered beneath the surface of an ordered existence—reflected light, fallen fruit, passing shadows—are reconstructed by the artist into a continuous "trajectory of sensation."

What inhabits the gallery space is not a series of isolated scenes, but a succession of fragile, scattered, and superimposed images. The photographs, arranged along the viewer’s path, do not remain confined to their individual narratives. Instead, they lean against and support one another along the walls, generating an organic rhythm. Within this flow, individual images transcend the flat dimension to become active mediators of the diurnal cycle and the circulation of life, transforming the entire white cube into a vast field of respiration.

The superimposed images captured via film cameras serve as "schematics of sensation" that document these ruminative trajectories. Traces of light errors from malfunctioning equipment, along with dust and botanical fragments resting upon indistinct surfaces, precisely capture the physical and temporal states shared between objects and their environment. These layered images, which intentionally embrace failure, stand as physical evidence of the artist’s bodily participation in the flux of matter—a result of time being transposed onto the material surface.

Ultimately, this exhibition focuses on revealing a state of precarious yet flexible balance—the constant swaying required to maintain life and image—rather than declaring a finalized form. While the viewer encounters the seemingly solid surface of a frozen photograph, they come to realize that its essence is a momentary cross-section shaped by the intersection of countless durations and traces of absence. Kim Jae-yeon’s work functions as a fissure that prompts us to re-examine the mundane scenes we believed to be clear, providing an open space to contemplate the process of being swept along the current of life rather than reaching a definitive conclusion.


Jaeyeon Kim works primarily with photography, utilizing the image as a distinct mode of speech. She reveals invisible sensations and existence through the layering of biological forms and visual fragments. Her process often begins with "deviated" images—characterized by overexposure, loss of focus, or light trails—upon which she superimposes botanical layers to construct the final work. Recently, she has been focusing on translating the layers of sensation and time encountered within the flux of everyday life into her artistic practice.

The artist held solo exhibitions including 《혼혼한 공기》 (Spaceuyoooung, Seoul, 2023) and 《가루산》 (Onsu Gonggan, Seoul, 2020), and has participated in numerous group exhibitions.